Guy-Manuel de Homen Christo and Thomas Bangalter,
地球人都知道他们是Daft Punk
也是法国电子乐的王者
作为超级明星, 他们不但掀起了头盔风潮
而且专辑达到了百万销量
走到哪都能听到Da Funk和Get Lucky
还有神队友Pharrel Williams和吉他大师Neil Rodgers,
还有Hanz Zimmer（电影配乐大师）
他们非常神秘, 而且才华横溢,
如今他们已经叱咤风云20年
所以今天我们Canal+频道将去掉他们的头盔
深入了解Daft Punk !
我们一直在追求创新
但是已经习惯了, 有的时候成品很烂
因为作为Daft Punk
我们不会在电视或是平面媒体上露脸
如果你问是谁对舞曲的影响最大 ?
所有人都会说是Daft Punk !
他们就是俩机器人, 没必要拿他们跟常人比
这可不是每天都能看到的
格莱美获奖乐队，Daft Punk！！
被解放的蠢朋克（翻译、时间轴、校验：小丽莎酱）
所有人都知道Daft Punk
当你在听One More Time和Around The World的时候
会有一种感觉很奇妙，飘飘欲仙
Daft Punk在做音乐之前就用行动反映了他们的音乐信仰
这改变了一切
奇怪的是, 机器人的发明使得人类可以留在地球
自由生存
脏活都让机器人干
这就是人类为自由付出的代价
Thomas：我们一开始做音乐的时候和一般小毛孩没什么两样
我们17岁
想组一个摇滚乐队
我们乐队名字叫Darlin，还发布了一首单曲
他们发行了一张单曲黑胶碟，反响也很好
故事就这样开始了
Guy-Manuel和Thomas 17/18岁的时候
他们告诉自己，“就是它了”
“一切都在按照计划进行”
但是Melody Maker杂志刻薄地叫他们
“蠢朋克, 失败的朋克乐队”
我觉得这个是他们当时停了一阵子的原因
这件事情非常打击他们的乐观情绪
毕竟他们非常认真的在做音乐
（粗体字：Darlin乐队的两首歌是愚蠢的朋克垃圾）
花了半年就做了两首歌
他们并不是懒
我觉得是他们不愿意做太快
就好像是说“下周就要！”那“下周就能做完！”的那种感觉
我想他们是在礼貌的说”我们才不管你什么时候要”
“我们已经在想别的了”
Thomas：18岁的时候我们第一次去电子乐party
那是在Beaubourg (巴黎)一个建筑顶楼
我们发现了全新的音乐形式
我们还发现了一种全新的力量
让人们可以跟着陌生的曲子整夜跳舞
而且在那个时代还同时出现了“另类音乐”的流派
纯地下音乐
那种音乐我们在电台里可听不到
我们当时心想，这有点儿意思
我们可以发展电子乐
我们当时和Thomas和Guy一起去的
我们还没到那个现场
就已经感受到熟悉的节奏在震动
而且我记得当时放了一首来自芝加哥的音轨
叫做”Can you feel the bass"
还有一个低沉的声音念叨”Cannn youuu feeel thee basssss"
（年轻的DJ EREN）
在最近这几十年里
这是最后一场真正的音乐革命
电子乐和Hip Pop独领风骚
之后所有的流行音乐似乎都从这两种流派衍生而来
（现在的DJ EREN）这种音乐的神奇之处在于
你不用把低频调高也可以感受到节奏的震动
很多次我都看到人群中有人闭上眼睛
用身体的律动来感受他们听到的音乐
你可以看到他们的身体也在表达音乐本身
就好像音波穿过他们的胸口
Siege：别自欺欺人了
好多人与此同时还在愉快的感受毒品呢
我记得有一次Thomas跟我说: “我不喜欢迷幻剂“
“因为迷幻剂这种东西，
会使你你丧失所有的批判性思维。”
Thomas的话很清晰的表明
他最痛恨一件事情的就是
失去控制
（译注：Slam－英国电子乐队，Soma唱片公司创始人）
我们有一次去巴黎演出的时候认识了Thomas和Guy
有人介绍认识的是吧？
(Siege Nicolas)对，他先联系的我们，然后说：
“有两个小伙想见见你们”
“他们挺喜欢你们乐队的”
“还有那个单曲 Positive Education”
“他们可能还想听一听你们其它的音乐”
我给他们打了电话, 跟他们说”我有惊喜给你们“
“带上你们的小样”
我记得那两个法国男孩儿, 特害羞, 很低调,
他们到了以后我给开的门, Guy看着我
那眼神像是在说“为毛？有什么事情？”
他们进了客厅, 眼睛睁的大大的, Guy有点儿脸红,
然后我说, “是这样的，我要介绍你们和Slam乐队认识”.
我们都坐在那儿，然后他们开始播他们的小样
他们的音乐从高保真音响里放出来，简直难以置信
如此路人甲的两个孩子, 能做出如此酷的音乐，Boom Boom Boom
Daft Punk “新浪潮”
Thomas请我们去了他老爹的工作室
我们坐下来把曲子又听了一遍
几周后, 我们给他们打了电话
然后我们让他们把“K7”那首歌的带子发过来
我们根本没做任何改动, 然后就作为他们第一支单曲发行了
Thomas：当时我们组合还没起名字, 所以我就说
干脆用那个负面评论给起的名字吧
“蠢朋克”
其实他们自己有清晰的职业规划,
因为当时有人会给他们建议, 那人叫Daniel Bangalter
那人也是Thomas的老爹, 他是70年代的迪斯科乐曲的制作人
还有一个艺名叫 "Daniel Vangarde”（译注：也有“前卫”的意思）
就是他帮助两个孩子做决定的
他对于音乐的发展方向有超级清晰的视野， 对于两个孩子所面临的一切都洞若观火
他是最理想的导师，特别是对于这种想做舞曲的乐队
在法国制作，歌词用英语写
然后面相全世界发行
Thomas：我们从丹麦、瑞典
西班牙，日本，纽约，都收到了传真
但是只卖掉了15000个拷贝
其实挺有意思的, 而且这确实表明
这种音乐存在听众
而且很多人对这种音乐开始感兴趣了
我记得有一次我去了Soma唱片公司的办公室
他们接电话时已经不说”嗨，这里是Soma唱片公司”
而是说”嗨，这里是Daft Punk"
电话一直响个不停
所有事情都在以超快的节奏进行
Thomas在搓一首歌
然后他控制台的一根线自己掉了
大家都知道把线插回去的时候， 会有发出一个很讨厌的低频噪音
此刻正是两首歌之间的过渡
而他当场这个噪音做了下一首歌的基调
我都直起鸡皮疙瘩
简直是大天才
我见到他们的时候是1995年
在成立新厂牌之前（Scottish label)
他们的能量，他们的才华
已经使Daft Punk在舞台上获得了一定的成功
（Pedro Winter见证了Daft Punk的职业生涯超过10年的时间）
以前我总是对外宣称他们是在工作室里录的第一张专辑
现在看来根本不可能
不过从技术上看, 制作质量相当让人叹服
当时这些曲子都是在卧室里录的, 那里比这儿大不了多少
到处都是线
那根本就是一个小屁孩的卧室, 都不是给青少年住的
到处都是线缆, 合成器, 效果器，转接器之类的
改变了世界电子音乐风潮的两张专辑
就是在这里做出来的
上千人可以在这里跳舞
DJ被安排在第二层的看台上
我们已经办了好几次活动了
把这里改造成一个club还是很有意思的
我们很想邀请您老人家来这里举办一次活动
(译注: Giorgio的法语配音逗死了)
我刚开始用“合成器”还是在70年代初
我做的第一首小有名气的曲子叫 “我爸的儿子”
那其实是第一首你能听到合成器元素的
流行歌曲
后来我总是用合成器做音乐
DJ可以放在那儿
我儿子可以放在那儿
您可以呆在那儿……（行吧！）
光线不错
然后我又做了 "I feel love"
“合成器”现在已经有了很重要的地位
特别是在舞曲音乐领域
哪里有舞曲，哪里就有
合～～成～～器～～
用音乐软件可以做出各种声音
鼓, 贝斯, 吉他
真是不可思议的工具
Thomas: 而且我们的音乐特殊的一点在于
它和科技本身形成了真正的互动
当我们遇到一个技术难题的时候
乐队成员就要绞尽脑汁
Thomas是个技术小天才
我记得很清楚，第一张专辑刚出的时候, 他告诉我：
我每个月会把我所有机器的的说明书读一遍
Thomas是法国最早一批使用苹果系统的人
这使他很早就习惯了使用电脑
处理音乐和照片
但是千万别以为Thomas只懂技术
因为在艺术创作上他也对音乐极其狂热
并且有很强的节奏感
Guy-man...
Guy这个人很神秘. 对他来说事情非黑即白, 非对即错
所以在找到正确答案之前
其它的一切， 都-是-屎-
所以他们的选择都是极其正确的, 这就是他们制作音乐的方法
其实是一个不断精简，不断舍弃的过程
（译注Pete Tong，英国BBC电台主持人，DJ，制作人， 拥有自己的唱片公司，被誉为电子音乐国际大使）
我现在回想起来终于明白
他们在用一种很“复古的”制作音乐的流程和方法
"Around The World和Harder Better Faster Stronger现场混音” (Alive 2007)
他们从一开始就是对的
从第一张专辑开始
一切的开端都是这个三人组：Thomas, Guy-Man和Pedro Winter,
他们和发行公司的关系也非常具有开创性
Guy：我们和总公司签的合同, 是100%有利于我们的
因为我们避免了几乎所有艺术家都会遇到的问题：
和总公司的利益冲突
他们和“维京唱片”签的合约是前所未有的
通常，公司和一个艺术家都会一次签4、5张唱片的合同
但是Daft Punk说了，不行，老子不干
我们拥有作品的版权，我们授权你们发行我们的音乐10年
我从中学到了很多, 但更重要的一点是
他们不缺钱
一开始Thomas和Guy就一心想着面向全球发行
他们专辑快做完的时候
他们对自己的音乐生涯就已经有了清晰的规划
从第一张专辑开始, 他们就规划好了发行方法
这种商业模式正式他们需要的
他们深知，一定要保有自己的艺术创作自由 一切都不能被别人束缚
包括公众形象等等, 他们掌控一切
他们有自己的一套严密的规则体系，因为他们有权这样做
因为他们从来不差钱
他们可不是吃不饱饭的小孩
这种商业模式影响了之后的很多乐队，大家纷纷效仿
有人说这是音乐史上最厉害的一次敲竹杠
Daft Punk - Indo Silver Club
他们邀请我们去Thomas的小公寓去听他们的专辑
我们和“维京唱片”伦敦团队还有法国团队的人一起去的
简直逆天了, 小小的工作室里，布满了设备
我们当时是用一台Ghetto Blaster听的（Boombox）
真是让人印象深刻
我们首先复习了一遍, 因为我们听到一首接一首热门舞曲
（1997年1月20号。Homework面向全球发行）
（Da Funk的MV拍摄现场，导演是Spike Jonze）
(译注：Spike Jonze，奥斯卡获奖导演，作品《改编剧本》，《她》等）
当时Da Funk这首歌和MV一起出现在MTV电视台的时候,
他们的地位一下子蹿升到很高
他们成了举足轻重的乐队
可以说Da Funk是他们最重要的一支作品
当然，他们还做了很多其它的很好的作品，
但是当时，这支MV是他们的起点
这个MV是由Spike Jonze导演的，产生了巨大的影响力
我觉得Michel Gondry先听说的Daft Punk
然后才有了这个绝妙想法
Around the World这首歌，将音乐影像化
（译注：Michel Gondry－画家，著名编剧，导演， 编、导《美丽心灵的永恒阳光》，获奥斯卡奖）
（译注：此时Michel Gondry正在到处找AMP的遥控器， 嘴里念念有词的抱怨着，不太懂）
我是在一间酒店的房间里第一次见到他们俩的
在伦敦
我当时躺床上, 他们坐椅子上
我不喜欢先构思然后再和乐队成员沟通
因为我不喜欢凭空想象, 与实体缺乏联系
或者对他们乐队产生错误的概念
我记得Guy-Manuel首先提出了一个对于编舞的想法,
(chorégraphie~~~编舞)
然后我问了我的造型师Florence Fontaine, 我们预算也不是很多
我想让她给我做些机器人出来
所以她用了摩托车全盔
还加了两根天线(跟电视机一样)
然后为了完全遮住脸，
我们还在透明面罩上加了类似单面镜子的材料
他们之后戴上头盔的想法可能也是受到我的设计的启发
现在看来是我最初提议用头盔来扮机器人的咯
我们首先要问一个蠢问题
电子乐代表的是地下音乐精神, 并且是反明星商业模式的
但是你们现在已经是大明星了, 你们对此怎么看?
Thomas：我们的曝光度确实很高
但我认为把音乐做好才是最重要的
然后人们会自己决定看不看
反正我们不会主动展示自己
和维京唱片签约并且成为顶级音乐人之后
他们的的雄心壮志是与pop文化一较高下
于是他们做出了永远带上面具的决定
早在发行Maxis这张专辑之前
有这样一种思潮, 一种地下运动
带面具并非是为了保护自己
遮挡面部成为了电子乐文化的一部分
电子乐奠基乐队例如Underground Resistance
也从来不露脸
说起当时的电子乐文化，就是一种“无脸文化”
当时有一种现象就是
人们都背对着DJ跳舞，现在我们绝对见不到这种事情
很多美国乐队都做过类似的事情，没什么新鲜的
Kraftwerk, Kiss
所有的流行巨星都是一件新发明, 他们自己发明了自己
他们不是生来就是大明星, 他们使自己成为明星
当我和David Bowie说话的时候, 我不知道我在和哪一个David讲话
可能是他上千个人格其中的一个
反正不是1947出生在伦敦的那个David Bowie
这是一种面具，使自己成为“匿名者”
一开始他们照了一些照片
我想，他们认为自己的面孔稚气未脱,
但是他们所做的事情却那么牛, 那么前卫，那么丰富而有趣
这也是一种对于如何成长的反思,
如何继续做音乐，如何到了40岁仍然不忘初心
当推出Homework这张专辑时, 那是改变整个90年代的大事儿
那是电子乐的新浪潮
所有的流行巨星都想要跟他们见上一面
想要游说他们，想要寻求合作
世界各地的艺术家纷纷打来电话， 寻求合作的机会
这些人里有Janet Jackson，麦当娜, 乔治迈克
Thomas和Guy一直都特有礼貌
但是从来不跟他们合作，这是事实
(Thomas) 我, 啥也看不清楚
(Guy-Man) 真是啥也看不见, 我们得慢点走
我记得我在最后一刻才去买的面具
因为他们要给NMI杂志拍封面
我们选的是便宜的那种, 准备的也不是很充分
在日本的时候，我们提前1个小时去买的服装和面具
用来乔装打扮，伪装自己
实际上他们也不是非常配合
有一次，在纽约，我们和维京唱片的人会面的时候
会议结束以后他们安排我们一起去餐馆吃饭
门口安排了加长豪华轿车等着 (哼，典型的美国佬)
Thomas和Guy一看
不是非常喜欢这种作风
然后就跑了
留我一个人和维京唱片的人在豪华轿车里
最后他们自己坐地铁去的餐馆
我自己和维京唱片的人一起坐豪华车去的
这是一种拒绝, 一种哲学立场
就是在说：我们不想混你们这个圈子。
我大部分时间都在作一个慷慨的人
因为没有什么事情是理所应当的
他们也不图我什么
我有必要向公众传达他们所带给我的东西，我信任他们
换句话说，这也是饮水思源，懂得感恩
我觉得他们两个是独一无二的整体
把他们当成人类对我来说一直有些困难
就音乐而言，这两个机器人简直太与众不同了
你绝对无法想象与他们合作时的感受
一切都是那么简明扼要
一切皆有原因，没有意外，没有巧合
没有错误，一切皆有意图，一切皆有目的
他们从来不让步
对我来说他们是神派来把音乐带给这个世界的
来提醒人们，好的音乐是可以带来好的感受的
这一点儿都不难
变成“匿名者”，这样是不是让你们从某种程度上更接近观众?
Thomas: 有些时候，我们确实很特别,
但是我们也过着平常人的生活
非常普通的，跟公众差不多的生活
不像有些艺术家，和我们一样有名，
但是走到哪里都能被认出来（以至于不能过普通人的生活）
这个乐队，特别是Thomas，特别迷Y2K这个概念 （译注：Y2K——2000年千年虫引发的系统漏洞）
如何解释这种转变呢？两个男人带上面具，
从2000年1月1号开始，正式成为机器人。
这个嘛, 我们试着用Y2K的概念解释给记者听
那天半夜他们在录音室里，奇怪的事情发生了
Thomas和Guy把自己变成了机器人
我记得当时Thomas跟我说他们正在做头盔
我20岁的时候绝对不会想着把自己做成机器人，图什么啊？
（我们没死）
（只是变成了机器人）
我觉得机器人面具影射了他们完美的人格
因为如果只是为了沽名钓誉，这个面具将脆弱不堪，易于摘下
但是他们对名利不屑一顾
他们成功之后并没有去过奢侈的生活
在如此成功的情况下，他们的生活依然很朴素，低调
从物质的角度而言
他们把所有的收入又都投入到创作上，我喜欢这样
我记得第一次测试头盔的时候
我们开车开了很久很久
我心里充满期待，希望没白跑这么远
我们见到了ALTERIAN公司的Tony Gardner
他看起来像个技术宅，戴着小眼镜
他的周围都是怪物头模型
这个就是我们创造Daft Punk头盔的过程
把石膏倒进去之后，把模具的两部分分开
然后我们把海藻酸（一种翻模材料）从面部取下来
这个过程要很仔细，要保证不把材料弄破了
我们当年就是这么做的
他们就是这么要求的，所以必须这么做
戴着这个很难呼吸
特别是Guy，因为面部是一整块塑料
我们必须设计一个装置让他从里面呼吸
我们在里面安装了LED小灯泡，机械装置，然后是头盔外壳
我们不想把头盔做得很大
因为那样会显得头大身子小
所以我们尽量精简设计，把所有东西都压缩，更贴近头部
我们初次见面的时候，他们告诉我，他们正在给专辑做视频
这一系列视频，每个都是一部完整的动画电影的一部分 （译注：动画电影interstella 5555）
他们正在东京忙着做这个呢
然后他们想要和我们合作，和我们讨论一下主角的人物设定
他们想要在自己的电影里第一次以机器人的身份出现
那是在2001年，我们感觉不是在和两个搞音乐的毛头小子谈话
而是在和两个机器人对话
那种感觉非常震撼，最后一次采访他们的时候
我们谈了两、三个小时
我记得Thomas从来没用过“我”这个主语代词
太疯狂了，这个代词对他们来说不存在了
他们是 Daft Punk
不过，他们也有调皮的一面
尽管他们控制着一切，但是他们仍然像孩子似的
仍然开着玩笑，他们依然年轻
Guy-Man:我想我们所做的一切
与我们这个阶层的青少年所做的事情是对立的
我们想要与众不同，不想只听那些流行歌曲
现在我们处在相同的波长里，一样的时代，一起去发现未知
（花了4年的时间制作的专辑Discovery，在2001年5月12号发行）
我记得特别清楚，第一次听"One More Time”这首歌的时候
这个曲子充满力量, 非常电子乐，
充满了"joy of life"的感觉 （译注：活在当下，及时行乐）
我记得是在MTV颁奖典礼上听到的这首歌
我年轻的时候很爱看这个
这首歌里有演唱的部分，但是都是电音处理的人声
纯现场演出能做成这样真的很困难
这声音跟所有的流行或者摇滚明星都不一样
这是他们的标志，只属于他们的声音
正是这种声音使得Daft Punk无法被模仿
特别是在美国
One More Time这首歌帮助他们打开了美国的大门
太疯狂了，两个巴黎来的白人小伙
在美国成名。
要知道美国主流电子乐源于底特律和芝加哥的黑人音乐
我难以相信，难道必须像这种风格靠拢才能成为主流？
我觉得他们在这个时期掉了一些粉
特别是那些忠于早期Daft Punk风格的粉丝
第一张专辑是为了向他们热爱的House Music致敬 （译注：House Music，4/4拍的混音舞曲，泛指电子舞曲）
第二张专辑才是奠定他们个人风格的作品
他们说，我们要做的就是这种音乐
他们开始给我们一些更传统意义上的曲子，从作曲的角度而言
旋律性更强
但是他们始终最偏爱70年代的曲风
在他们刚刚起步时，技术革命给了他们制作的条件
家庭工作室使得他们可以
有充分的时间来录他们的专辑
不像以前，录音棚的使用时间是有限制的
他们可以用4年时间做一张专辑， 那也花不了多少钱，因为是自己家
家庭工作室的革命性就在于，音乐家可以随心所欲
一个乐队能做的事, 一个人就搞定了
你不需要拥有所有的乐器
因为你所需要的东西都触手可及
只需要几样设备就行了
这是一张在流行音乐历史上很重要的一张专辑
因为这是历史上第一张“后采样”专辑
也就是说你先用其它的声音做音乐
采样的意思是，取音乐中的一小段，做成一个Loop（循环）
这个循环本身又变成了新的音乐
原始的音乐被他们改得太厉害，根本无法分辨
他们对自己的作品有很大的野心
第二张专辑，他们打算同时制作
Interstella 5555
这是一部日本动画电影，没有对白，只有音乐
这是一个音乐录影带，被加长成了电影长片
他们自己做的制片
没有一家唱片公司有经济实力制作电影长片
对于Daft Punk而言，他们并不仅仅是在做音乐
他们是在创造自己的小宇宙，并且保护它不受外界干扰
他们不听任何上级的安排，骨子里流淌着朋克精神和反抗意识
Interstella这部电影的故事完全是视觉化的
故事发生在这些大型电视节目被发明之前的10年
后来好多艺术家在这种电视节目上表演
然后被控制，无法退出
他们和松本零士合作的想法非常单纯 （松本零士－日本著名动画家）
他们做了一个愿望清单，松本是清单上第一个
松本零士是《宇宙海贼哈洛克》的作者
作为75年到85年间出生的这一代人
我们特别迷日本动画
哈洛克船长可不同于那种吊儿郎当的角色
哈洛克船长是个厉害角色，是个海盗
我不知道可不可以说哈洛克船长是个反抗者
但是他游荡在主流社会的边缘
对我来说，他（阿童木）是有心的机器人
他总是那么冷静，不喜欢暴力
需要的时候他还会保护人类，给人类提供避难所
也许他代表的是日本传统意义上的“鬼”
或者是日本所崇尚的超自然的力量
这里所谓的“鬼”并不是邪恶的魔鬼
而是一个有心有灵魂的个体，并且可以自由的表达
我总是引用我的英雄哈洛克船长的话：
“我与我的旗帜自由的生存, 作为交换，我也背负起我应尽的责任。”
这是所有艺术家在创作时都应该遵循的准则
我刚才读到Human After All这张专辑只用了6个月就做好了？
Thomas：是的，其实只用了我12天
不过只是做了这张专辑的概念，就是回归到车库音乐的感觉
这其实也是他们对Discovery这张专辑的矫枉过正
他们寄予这张专辑的野心很大
他们想要返璞归真，回归本源
Human After All这张专辑, 我们打算两周内录完,
这就是我们做音乐想要的结果
Human After All这张专辑的反响是
“挺令人费解的”
对于很多观众都是这样,对媒体也是,甚至唱片公司都费解了
推出这张专辑也变得很有难度
因为没有可以在电台播放的主打歌
而且我们还得想个办法让人们谈论这张专辑
我觉得人们根本不明白
人们都习惯相信
他们第一张专辑不错
第二张专辑大获成功，那第三张专辑肯定会更好了
但是对于他们两个人而言, 我觉得他们对于功名不屑一顾
我觉得他们真正想要的是自由表达，自己的内在感受
当时我们都在说，看他们最后一张专辑，不怎么样啊
我们都在等待，以为还有其它东西
但是，他们已经做完了……我们那时候经常讨论这些
Daft Punk对这张专辑没做任何推广 （实际上这张专辑的销量也很失败）
Thomas（2013）：我们觉得这张专辑会自己解释一切的
真有意思，这么多年过去了，同样的一批评论家 （当年给过差评的那一帮）
会重新审视这张专辑
他们会发现，即便是在当年，这张专辑其实很有影响力
因为它影响了很多法国制作人
我们叫它“法式接触2.0”
那些音乐人受到了Daft Punk启发，被他们的能量感染
那是回归了最本源的声音，充满技术感的硬节奏
比如Justice（法国电子乐队），乃至整个新一代电子乐队， 都是直接受到Human After All的启发
实际上他们给Human After All拍了一段视频
这也是电影Electroma的开头部分 （译注：DP自导自演的实验电影，youtube可看）
没想到这一小段视频最终被他们拍成了电影长片Electroma
这是一部关于机器人的电影，生活在机器人的世界里
但是他们想变的与众不同
也就是说，他们想变成人类
Electroma在2006年嘎纳电影节上首映
老实说，在电影的最后他们决定……
(剧透预警)那两个机器人
我觉得预示着Daft Punk的结局
那两个机器人想把自己伪装成人类，没成功，然后自杀了
在电影的最后所有人都认为
他们想要通过这些影像传达给我们一个信息
也许Daft Punk会这样结束自己
不～～要～～啊～～～ !! :'(
老实说我自己也这样想过
也许他们有一天会摘掉机器人面具
然后推出一个新的理念，可以让他们露脸
也许他们自己也这么想过呢
他们简化了机器人的设计，很有想法
他们穿着黑皮衣
一边是《疯狂的麦克斯》，一边是《创战纪》
（译注：Pulco，一种法国果汁饮料）
我有个好名字叫“朋克”
我们会一直这样一直到生命终结
很多艺术家都在被金钱支配着
从而失去了自己的声音
他们忘了自己最珍贵的礼物是自己的声音
音乐是革命的战场
两个陌生人从彼此身上找到自我，并肩战斗
循规蹈矩的方法在这里不存在
因为即使是世界末日，如果人们还能跳舞
那么就仍然有希望，就这么简单
（译注：这是Kim Kardashian)(/O_0)/
我一直抱着这样的态度
为了自由而战斗的态度
随时随地都可以进入战斗状态
想要获得自由就必须战斗
Coachella在加利福尼亚南部，靠近洛杉矶 （译注：科切拉音乐节，特别火，门票三小时即售罄）
每年不可错过的音乐盛事，大家会都去
现在已经成了美国音乐工业的主要活动之一
如果你第一次在科切拉音乐节上演出，而且反响不错
那你肯定能红
科切拉音乐节是一个造星机器
而且每年都想方设法让Daft Punk来演出
一次都没有成功过
2005年的时候主办方就提出给他们25万美金演一场
他们说不要
第二年主办方把价格又升高了
30万美金一场Daft Punk演出……
我跟那些美国经济人说了，他们不做巡演
但是这个报价挺大方的，这个音乐节也挺火的
让我跟机器人谈一谈
2006年的科切拉音乐节是一场巨大的赌博
因为人们觉得这支乐队已经失去了冲击力，
人们觉得Daft Punk已经不赶趟了，也没有什么重磅炸弹可以推出，
在Human After All的失败之后使自己重获青睐
在电子乐的领域，像这样的乐队必须跟上时代
所以人们觉得Daft Punk这支乐队已经玩完了
我不记得他们是当天就给我回电话了还是3天后回的
反正他们给我说：告诉他们我们没准儿去
通常，做现场表演的话，主办方会先付10%的预付款
但是Daft Punk毫不犹豫的跟他们要了比全款还多的钱
因为他们需要这些钱来准备演出
基本上没人知道这件事，完全是保密的
除了技术人员知道一些
连他们的经济人都几乎什么也不知道
我在科切拉开始的前10天到了排练场地
然后我看到的是这些：
现场搭建起了举行的金字塔状的东西，很多面LED灯搭建的光墙
现在你可能觉得没什么，大家都用LED灯，夜店里都是
但是在那个年代
我记得，要想把这种规模的金字塔都布上LED灯，
我们得和全美国的供应商联系
灯泡从各个地区运过来，根本没那么简单
Thomas和Guy跟我说：你先坐下
然后我们单独在那个房间里，为演出做准备
但是只是做音频的部分，我没有权利看灯光的部分
音频是三张专辑的重新混音
那天晚上他们就像是音乐恶霸
通常每个演出之间有半个小时的休息时间
但是他们，整整一个小时
他们让观众苦等了一个小时
整个后台都给清空了，所有人都得离开
当时间终于到了的时候，我们上，给他们穿好服装带好头盔
我到处跑来跑去，分发印着唱片公司LOGO的手环
我们的帐篷人满为患
太挤了，人都溢出来了
我们大叫着“万岁”，Daft Punk的回归是所有人期待的
我们算了一下，大概有3万，4万人在现场
怎么可能，我们的场地只能容纳1万人
大家都惊呆了，不知道将会发生什么事
他们到底想干什么啊……
然后金字塔出现了
着实要花很长时间才能把整个视觉效果看全
那真是前无古人
从没人见过这种级别的现场制作
没人见过那么密集，数量庞大的LED灯， 还有这种质量的视觉效果
跟其他演出团体的制作水平相比， 他们的级别实在太高了
在现场的观众纷纷发短信给其他场地的观众
你们赶紧过来，别错过了最好的表演，老天爷！
当时来音乐节的，我认识的所有人都跟我说他们的电话都被打爆了
就好像你错过了史上最好的演出
所有人都拿出手机
那个时候用手机录像并且发布到youtube上的风潮刚刚兴起
事情变的很疯狂
所有人都被演出感染了，变得很狂热
很多人都在录像
然后发布到youtube上
我当时哭了，真是情不自禁，完全被演出的力量感染
观众的反应对我来说也是那么不真实
就像是在做梦一样，真实的梦境
在4万人组成的沙漠里，舞台就像一条小船
4万人沉醉在光效里，被音波一次次冲击着，快乐着
在人群里有很多音乐圈的人
科切拉音乐节就是把这些有识之士聚集到一起
也有些满脑子摇滚的人不停的说
年复一年的说：
“这有什么了不起的？”
“我不明白，为什么他们在台上什么都不做？”
“吉他在哪儿呢？” 他们今天终于明白了吧
还有那些硬核摇滚人士第一次明白过来：
“原来这就是人们喜欢的东西吗？”
“这就是人们这几年一直谈论的东西啊！”
金字塔还有世界巡演
这是EDM的开端
科切拉的那座金字塔，是新一代音乐人的基石
他们终日呆在小房间里不停探索，充满敬畏
当时Daft Punk2007年来洛杉矶的时候，我一个人去的
我从黄牛手里花150块钱买了一张票
我花光了身上的钱。但是那场演出改变了我一生
把我的大脑翻了个底朝天，这是件好事
我之前听过他们的专辑，但是现场演出，真让人难以置信
他们制作新混音的才华无人能比
我以前从来没见过这样的东西
我彻底震撼了，现在我明白了
原来还可以这样给现场演出重新混音，（新技能get）
Skrillex在Youtube上发布的视频加起来有2亿次观看
Wow！
我现在在Electric Lady音乐工作室
你可能没意识到，我在这里创造的历史
这里，我不仅录制了Random Access Memories这张专辑
也是在这里我录了我人生中第一支单曲
"Dance Dance Dance”
跟我一起进来吧～
这里是录音室A
我们在这里录音的时候，我们经常说这里有巫术
因为“巫毒小王子”Jimmy Hendrix也在这里路过音
这些墙里就像是住着灵魂一样
租录音室棚花费很高
所以我们把工作表安排的就像火车时刻表一样，一站接着一站
我给你讲个故事吧
我们当时没有很多钱
所以我们租了录音棚以后，马上布置， 马上开始录音，一刻也不能耽误
Daft Punk是Chic的粉丝
所以当他们听说
Chic是在这间录音棚里录的他第一支单曲的时候
他们问道：嗯，你们是怎么作曲的？
我答道：“这个嘛，通常我们先这样：
我先写一个和弦走势
然后听一下低音走势，低音确定以后
我在这个基础之上不断增加改进
所以在做比如说Get Lucky这首歌的时候
the chord progression was... 和弦走势是这样的……
是这些和弦
然后再这样……
然后我就弹出来了
他们听了以后跟我说：“哇塞，这个太酷了！”
当时我必须得走了，我还有另外一个曲子要录
要不然我就留在那里继续写这首歌
因为，能和自己尊重的艺术家一起工作我特激动
现场做音乐
互相提供灵感
分享经验和视野
创作——从无到有，很神奇，没有什么感觉能比这个更好了
Thomas：所有的音乐人都有自己的故事
包括鼓手，贝斯手，Michael Jason等等……
不能说所有的音乐人都只会在录音棚里做音乐
况且是在15年前，即便如此，我们也总是把这件事挂在嘴边
因为制作House音乐的梦想， 目的是让舞曲精神和disco精神能够生存得更久些
那时候这种精神已经频临消失
他们看到Giorgio Moroder的音乐仍然有很多人喜欢， 还有其他一些音乐人也不错
就像抓住这个机会和他们合作，看看能一起创造出什么来
如果Thomas知道如何与他们打交道，可能他早就会这么做了
但是直到他们给《创战纪》做了音乐之后
他们才算是真正和作曲家以及管弦乐团合作过
他们觉得很受启发，对于合作这件事也更加自信了
我觉得在做《创战纪》电影配乐的过程中， 他们就像是回到了学生时代
变得很好学
这个本来应该比登天还难，因为他们是Daft Punk
他们从来不受任何人的指示
但是现在他们自愿和最大的动画公司合作，
简直像是走进了狮子笼
我们正在录影棚里做这个电子交响乐混音，
当一切都快做完了的时候，有人建议说
把电音部分去掉，只留下交响乐部分怎么样？
我坐在那儿，眼泪差点儿流下来，太伤人了，难听的要死
所以我们又做了相反的事情：保留电音部分，去掉了交响乐
但是也不好听
所以我们又把两部分混起来
发现它们浑然天成，不可分割，听起来雄伟壮丽
这正是Thomas和Guy想要的效果，正是他们对电影的诠释
当Thomas和Guy第一次听到《创战纪》的管弦乐部分时
他们就像是两个小孩进了糖果铺子一样兴奋
这给他们最新的一张专辑以契机
他们对自己说：“我们可以的。”
整个世界似乎都汇聚到这个瞬间
当那一刻，Gavin抬起他的指挥棒然后说：“走～”
Daft Punk这样的艺术家往往可以走得更远
你回头看看他们走的路，就会发现这是必然的
他们从第一天开始，就一直朝着这个方向走
他们一直在成长，一直在变强
他们最新的专辑，给了他们机会去证明这一点
他们展现出了对于录制过程的极度关注
他们崇尚现代科技，这也使他们能够达到尽善尽美
Random Access Memories这张专辑，做了4年时间
Daft Punk是个很好的例子
我的吉他音色纯正
没有加任何效果器
我只是在弹吉他本身
"Give Live Back To Music" 和"Lose Yourself To Dance” 这两首歌就是很好的例子
它们只混入了吉他、贝斯和架子鼓
他们准确的抓住了我这把SatrtoCaster的绝妙音色 （译注：Fender吉他经典款）
我听到这两首歌的时候，我觉得太美了，无与伦比
真是对我这把琴的完美诠释
买这把琴我都没花钱，是用我的旧琴换来的
卖家还给了我300块钱，因为他们觉得这把Strat一文不值
他们更高兴能脱手
想象一下，如果没有这把琴，我的生活将会完全不同
我跟你讲个故事，我当时刚到巴黎的录音室
我坐下来，他们就让我讲讲我的生活
那里有三台麦克风对着我
然后我问他们，采访用三台麦克风干嘛？
他们回答说：左边那个麦已经很旧了
那个麦是用来录你的童年经历的
他们说中间的那个麦
是70年代常用的一种麦
最右边那个是最新款，是用来录现在的事情
我说：“谁能听出区别啊？”
技术人员说：“没人能听出来”。
然后我问：“那为什么这么录啊？”
“因为’他们'（DaftPunk）能听出来。”
作为业内人士，我知道音乐行业里很多主流玩家都会在录音棚里
花很长时间听Daft Punk的曲子，绞尽脑汁试图琢磨出来
他们是如何做到的？
他们也想做出Daft Punk的声音
哪怕是有那样的鼓声也行
能做出和DP媲美的音乐
如果成功了，他们一定会很自豪
现代科技使做音乐变得很容易
我们可以轻松使用电脑，软件，各种硬件设备
我们做的事情没那么简单，我们做了别人以前没做到的
4年如一日的泡在工作室里，挺疯狂的
所以当我们做完最后的混音的时候
我们打死也不会让母带离开我们的视线一秒钟
上路吧～～我们要开始另一段旅程
Random Access Sandwich（内存三明治）
我们打算自己护送带母带去Bob Ludwig那里
Mastering Engineering之王 （译注：全美最好的传奇混录大师，美国各大唱片公司 的母带都会送去其公司做最终混录成成品，然后发行）
让别人送带子我们不放心，
所以我们自己开车从洛杉矶去了波特兰
如果母带丢了
我就改名换姓，然后去哥斯达黎加做潜水监测员
或者之类的职业
每一盘带子都是唯一的
所有东西都是唯一的
全都在我后备箱里
（Paul Williams,音乐家，演员，RAM联合作曲）
就好像是整个MGM公司的音乐都在我手里
这段像是一部老牌的剧情类电影
这才是生活，接近生活的本质
这是人生的礼物
一切都浓缩在这些音乐里
然后，嗯～
比做梦还要梦幻的感受，这是我真实的生活
（译注：《歌剧魅影》——著名音乐剧）
Guy-Manuel:我是12、3岁的时候遇到的Thomas，
就像是《歌剧魅影》这部电影
这部电影把所有的神奇之处都囊括了
有点像“Andy Warhol的奇妙之旅”这本书 （Warhol从纽约到洛杉矶的游记，Amazon可购）
我们不仅有音乐，也有视觉图像，还有艺术品
就像那部电影，什么都包括了
天哪，你太吓人了，别跑啊
你自己照照镜子
这什么噪音啊，你说不出话吗？
你看看四周，Winslow
你毁掉了你的脸，你的声音
现在你又想把这个乐园也毁掉，闹够了没
我能让你重新创作，成为明星
我们要从零开始，Winslow
只不过这次我们要联手合作，不做敌人
是时候了，世界想要听到你的音乐
我是说真的，明天我就组一个新乐队
怎么做你说了算
你不信的话可以自己来看试音
相信我～
你制造了一个戴着面具的神话
这个故事令人神往
但是如果没有他们艺术家的创作实力
这一切不过是小打小闹
但是因为他们是Daft Punk
他们的制作水准如此之高
这已经超越了普通作品，要多得多
这让我想起了一句至理名言：
“予人以面具，人将予你以真相”
我觉得称为“匿名者”对他们来说意义重大
不仅仅是为了能过正常的生活，组建家庭，
或是在工作之外能够自由的走在大街上，海滩上
一路从洛杉矶开车到科切拉
212公里的路上，一直都有广告版在宣布RAM的发行
但他们（DP）去公司谈RAM这张专辑的推广的时候
他们手里拿了一本书，讲的是公告板和日落旅行的故事
80年代这种广告比比皆是
这是音乐工业的黄金时代
他们很明显对那个时代有种特殊的情怀
我觉得正式这种情怀，促使他们2004年在洛杉矶扎根
我发现有意思的是，对于RAM这张专辑，
70、80年代的元素正是它的精华所在
好玩儿的是，几乎所有美国的DP粉丝
都假装他们去过2006年的科切拉音乐节，去看了DP的现场演出
其实我知道他们大部分人都没去过，只是在youtube上看过视频
不可能全国粉丝都去过吧
DP有一个特点就是，他们几乎不做巡演
所以当他们巡演的时候，粉丝都激动惨了
大家都在猜测他们会不会做下一场了
现在每年一到科切拉音乐节的时候，DP都是讨论的焦点
不论他们发不发新专辑
所有人都在讨论
走到哪里都能听到有人说“Daft Punk在哪儿呢？”
然后谣传就会甚嚣尘上
有些小伙伴会说，“我在后台看见他们啦！”
或者“我看见他们头盔啦！”
或是“我听说他们会来给Kanye West当嘉宾。”
谣言不断
2013年科切拉音乐节
（当Yeah Yeah Yeah乐队准备要上台的时候……）
我们也在，混迹在人群里
我们是去协助那场演出的
我们很低调的混入了科切拉的人群里
那感觉无法言喻，所有人都“脱线”了
当Get Lucky的旋律刚刚响起来一分钟
网上的消息已经铺天盖地了，实时转播一般
那感觉难以置信
舞台上都是青史留名的乐队
那些我们从小听到大的乐队
那些大师们
已经达到了全新的高度
那个晚上我最喜欢的部分
是在颁第一个奖之后
Pharell和其他人一起回到后台以后， Thomas 把-头-盔-摘-了(´⊙ω⊙`)
我们看着他的眼睛，什么都明白了
Thomas：“我们一会儿啥都不说，Pharell，你去向大家解释。”
（无语）我来给机器人代言
在Thomas的眼神里，你能把热爱和激情看的很清楚
“我们不说话，我们是机器人，需要你来致辞，解释一切。”
我刚刚从机器人那里收到一条信息
格莱美是如此经典、优雅……
（那天晚上，是历史上第一次）
（一支电子乐队同时拿了5座葛莱美）
我们已经忘了他们是机器人，他们不怎么动
这张照片尤其成功
那天他们一刻也没有把头盔摘下来
他们制造了一种超现实的诡异气氛
在拍摄的间隔，我说，你们可以把头盔摘了，我们谈谈
他们没摘，这对他们意义重大
我可以想象，他们合作起来并不容易
像这样的音乐道路有很多艰难险阻，陷阱重重
很多人会因为自负做出错误的决定，走些弯路
但是他们，一直相坚信自己的道路是正确的
我甚至想说
这是一种人类行为的楷模
真的非常罕见
我作职业音乐制作人30年了
有些艺人，知名度也就是他们的6.25%
见到我连个招呼都不打
但是他们（DP），给予所有人相同的关注度
从门童，到总公司的大老板，都是一样
他们在生命中每一个时刻都在保持他们的水准
超越自我才是真正的胜利
（翻译、时间轴、校正：小丽莎）